– ТЕХНИЧЕСКИЙ ЛИСТ –

Площадь виноградника : 8,5 га
Плотность посадки : 6 600 лоз/га
Средний возраст лоз : 30 лет
Сорта : 90% мерло, 10% каберне фран
Почвы : Песчаные и глинистые
Урожайность : 30 гл/га
Виноградарские практики :

  • Ограниченное вмешательство
  • Работа на винограднике только вручную
  • Механический контроль за сорняками

Методы обрезки : Двусторонний Кордон и двусторонний Гийо
Сбор урожа : я 100% ручной сбор
Дата сбора урожая : 6 – 10 октября 2015

Тип бродильных чанов : Резервуары из нержавеющей стали c терморегулированием объемом 30 – 127 гл Гравитационная винодельня
Выдержка в чанах : 30 – 35 дней
Методы винификации : Мягкая длительная мацерация и ферментация Малолактическая ферментация в бочках
Выдержка в бочках : 100% новые бочки Radoux Blend из отборного французского дуба
Продолжительность выдержки : 21 месяц
Объем производства : 20 800 бутылок
Дата розлива : 2 ноябрь 2017
Крепость, % abv. : 14,5
Винодел : Луи Митжавиль

PDF миллезим 2015

Май Данциг
«Тревога» (1971)

Опустевшая комната отдыха на пограничной заставе в Белоруссии. Включенный телевизор, брошенные шахматы, недописанное письмо. В воздухе повисло ощущение тревожной тишины. И надо всем – два глаза темно-синих окон, из которых в теплый по колориту интерьер струится холодноватый свет.

Май Вольфович Данциг (1930-2017) — народный художник Беларуси, профессор, участник многочисленных выставок в СССР и за рубежом. Его работы – в коллекциях Государственной Третьяковской галереи и Национального художественного музея Республики Беларусь, в частные собраниях России, Бельгии, Германии, Израиля, США.

Сюжетные натюрморты Данцига – это всегда своеобразные новеллы. И здесь художник верен себе, стремясь, прежде всего, быть публицистом, для которого главным в искусстве остается содержание, смыслы, идеи.

«Тревога» (в военном деле сигнал полной боевой готовности) была написана художником в Гродненской области, на одной из погранзастав, которые теперь носят имена командиров времен Великой отечественной войны. В июне 1941 года эти заставы приняли на себя удар фашистских войск, стояли насмерть и были обречены.

Виктор Попков
«Отражение в окне. Автопортрет» (1963 г.)

Молодой мужчина в полуоткрытом окне. Черные впадины глаз на широком лице, птица в клетке, клетки оконной рамы и совсем отдельно – на фоне открытой в синий снег створки – подставка с карандашами. Автопортрет художника Виктора Попкова (1932-1974). Ему чуть больше тридцати, его «Строители Братска» уже куплены Третьяковской галереей, он входит в комитет по присуждению Ленинских и Государственных премий СССР, участник 31-й Международной биеннале в Венеции, выставок в Японии и Югославии. Он талантлив и востребован, но даже отблеска жизни успешного советского художника нет в «Отражении в окне».

Искусство Попкова – сложное, глубокое, напряженное. Ему интересна жизнь человека, ее глубинные нравственные смыслы, ее хрупкость и одиночество. В его творчестве нет трафаретных решений, его работы эмоциональны, его герои всегда в связи с миром и обществом. Автопортрет, никогда не входивший в парадные каталоги художника, был написан в 1963 году. Впереди еще 11 лет плодотворной и яркой работы. Портреты художников и влюбленных, пейзажи и жанровые зарисовки, знаменитый мезенский цикл, «Шинель отца»… Он будет убит в 1974 году, в 42 года, нелепо, трагически. И оставит нам невероятную художественную летопись – от «оттепели» до «застоя», полную надежд и философских размышлений – в своих выдающихся по мастерству и искренности произведениях.

Александр Герасимов
«Пионы» (1931)

Живописец Александр Михайлович Герасимов (1881-1963) – один из самых известных и успешных советских художников середины 20 века. Он пользовался популярностью, как среди простых людей, так и у представителей власти. Его называли любимым художником Сталина, основоположником «героического реализма», он – автор известных портретов В. И. Ленина и других революционеров в романтическо-героической стилистике, четырежды лауреат Сталинской премии, носитель всевозможных званий и наград.

Сам Герасимов считал себе портретистом, но пейзажи и натюрморты писал не менее искусно, раскрываясь как крупный мастер колорита, поэт природы. Возможно, эти жанры были для художника чистым уголком вдохновения, свободным от рамок политики и идеологии. Его цветочные натюрморты сегодня – украшение многих музейных коллекций. Герасимов вспоминал: «Я всегда любил писать цветы: розы и пионы, поскольку видел в них предельное сосредоточение жизненных сил природы и ее обаяние. … Натюрморты «прочищают» глаз художника-живописца. Пишешь цветы – будто отдыхаешь после утомительной дороги с ухабами и выбоинами».

Кузьма Петров-Водкин
«Богоматерь» (1912)

Он мог бы стать продолжателем семейного дела – сапожником. Или работником железной дороги, как мечтал с детства. Но у судьбы на него были совершенно другие планы. Живопись и графика, монументальное и театрально-декорационное искусство, драматургия, сценография, педагогика – сфера пристрастий Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939) удивительно многогранна.

За свою жизнь творческую жизнь художник не раз воссоздавал образы Богоматери. Церковная апсида Ортопедического института в Александровском парке, росписи в Соборах Кронштадта и Сум и, наконец, станковая работа «Богоматерь. Умиление злых сердец», законченная в 1915 году.

«Богоматерь» – отклик художника на трагические события Первой Мировой войны. Кроткий, спокойный, исполненный мудрости взгляд Богородицы, кажется, проникает в саму душу зрителя. Это один из самых проникновенных и возвышенных образов в творчестве замечательного художника и уникальный пример интерпретации иконографических канонов в станковой живописи.

Константин Коровин
Бал-маскарад в Париже»

Константин Алексеевич Коровин (1861-1939) – не просто первый в ряду русских импрессионистов. Это художник, который был верен своему стилю, вкусу, пониманию цвета, вопреки критике и упрекам консервативных представителей академической школы. Писать так – свежо, ярко, смело, непривычно – он начал задолго до своей первой поездки в Париж и знакомства с французскими импрессионистами. «Импрессионисты – у них нашел я все то самое, за что так ругали меня дома, в Москве», – скажет он позднее.

Коровин писал портреты и пейзажи, натюрморты и жанровые картины, писал тундру и Крым, Норвегию и Испанию. Он писал все, но почти не писал городов. За исключением Парижа. «Ни в одном городе … художник не имеет перед глазами этой вечной борьбы искусственного света с небом, этих тонких, удивительно красивых желтоватых и голубоватых тонов, которые он наблюдает здесь”, – говорил Коровин.

Париж он изображал так, что мог бы конкурировать с самими французами. Ночь, бульвары, светящаяся реклама, уличное движение – все он умел передать, вкладывая в эти картины живое, яркое чувство Парижа. Коровин влюбился в него на всю жизнь, чтобы после революции в 1922 году оказаться здесь навсегда. Но так и не стать частью этого великого города, любить Париж любовью гостя и до последнего дня тосковать по Родине, куда не было возврата.

Александр Лактионов
«Письмо с фронта» (1951)

На Всесоюзной художественной выставке в 1946 году первая версия этой картины Александра Ивановича Лактионова (1910-1962) – без преувеличения – была самой популярной. Люди десятками останавливались у полотна, порой мешая проходу. Кто-то просто смотрел, другие не скрывали слез. Недавно закончилась страшная война, и не было в стране человека, кого она не коснулась. Еще свежи были воспоминания, как зрители сами ждали любой весточки от своих фронтовиков, как читали и бережно хранили эти фронтовые треугольники писем.

Это была первая последипломная работа художника. Выбор темы решила случайная встреча – фронтовик с треугольником письма, озарившееся лицо женщины, получившей заветный треугольник. Моделями для картины стали близкие. В роли солдата-письмоносца оказался сосед-фронтовик, женщина с конвертом – сестра матери художника Евдокия Никифоровна, дети – сын Сережа и дочь Светлана. Самый солнечный персонаж картины – девушка с красной повязкой – соседка Лактионовых. В картине много солнца, много тепла, и, глядя на эту работу, понимаешь, что даже в самые трудные времена в человеческой жизни есть место счастью.

Любовь к «Письму фронта» была всенародной: художнику шли коллективные и личные поздравления, звонили, телеграфировали друзья, родственники, знакомые и совсем не знакомые. После выставки Лактионов получил заказы на авторские копии «Письма с фронта» от целого ряда музеев СССР и других стран мира. Картину включали в школьные учебники, помещали на страницах календарей и на разворотах популярных журналов. Окончательную точку в признании картины поставили партия и правительство, присудив художнику Сталинскую премию.

Гелий Коржев
«Серп и молот» (2003)

Гелий Михайлович Коржев (1925—2012) — народный художник СССР, академик, лауреат нескольких государственных премий, председатель союза художников, профессор, педагог. Его картины «Поднимающий знамя», «Интернационал», «Коммунисты» кажутся сегодня концентратом советского реалистического искусства.

У Коржева свой узнаваемый стиль: как из камня вырубленные композиции, правильно вылепленные фигуры, кинематографические ракурсы, он сложен по цвету. Недосягаемое, нереальное единство художественного содержания, эстетической формы и живописного стиля. Его высокое мастерство вне сомнений, Коржев – признанная фигура в советской живописи.

Психологический натюрморт – особый жанр в творчестве художника, в котором он работал много и охотно, решая композиционные и смысловые задачи картинной формы. Все годы существования СССР молот олицетворял собой класс промышленных рабочих, а серп – крестьянство, их иконография была определена еще во время Октябрьской революции 1917 г. Восьмидесятые годы ХХ века – рубеж в жизни России: движение за обновление советской власти привело, напротив, к ее краху. «Натюрморт с серпом и молотом» – попытка Коржева возвратить в поле реальности свергнутые символы советской эпохи.

Алексей и Сергей Ткачевы
«Доброе утро» (1965)

ратья Ткачевы – редчайший пример удивительного творческого содружества. Сергей Петрович (1922) и Алексей Петрович (1925) – художники с яркой творческой индивидуальностью, авторы замечательных совместных и индивидуальных произведений.

Народные художники СССР, члены Академии художеств СССР, лауреаты Государственной премии СССР. Их работы представлены в Третьяковской галерее и Русском музее, выставлялись в художественной галерее Смитсоновского института в Вашингтоне и в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Братья родились в деревне под Брянском. Каждый шел к живописи своей дорогой, но определяющей и объединяющей стала учеба в Московском художественном институте им В.И. Сурикова в мастерской известнейшего советского художника Сергея Герасимова, воспитавшего целое поколение замечательных художников-шестидесятников. (А Герасимов – в свою очередь – был учеником Константина Коровина, Абрама Архипова и Валентина Серова. Удивительная в русской живописи преемственность поколений!).

Всю свою жизнь братья Ткачевы постоянно обращаются к образам русской деревни: «Наши картины рассказывают о нашей жизни. Их герои – не фантазии, за каждой картиной стоят реальные люди, реальные события, истории, рассказанные нашими стариками. В каждой – частичка нашей души». На их полотнах – весь неизменный круг сельской жизни и люди, его составляющие. Одна из таких работ – «Доброе утро», где в наполненной солнечными лучами ясной летней прохладе едут на двухколесной повозке деревенские девчонки.

Илья Репин
Манифестация 17 октября 1905 г.(1906)

Русская революция 1905 года, предвестие перемен, «генеральная репетиция», без которой «победа Октябрьской революции 1917 года была бы невозможна». Первая русская конституция – Манифест императора Николая II «Об усовершенствовании государственного порядка». Обещания «незыблемых основ гражданской свободы», неприкосновенности личности, свободы совести и слова были восприняты либеральными кругами России с воодушевлением. Именно этот момент в русской истории – на картине Ильи Ефимовича Репина (1844-1930), живописца, педагога, ключевой фигуры русского реализма.

Лица русского прогрессивного общества: студенты, курсистки, профессора и рабочие, с красными флагами, восторженные, с пением революционных песен…Подняли на плечи амнистированного арестанта и многотысячной толпы движутся по площади большого города в экстазе общего ликования. Художник пытался передать ажиотаж и настроение толпы. Многие герои – реальные исторические фигуры.

В 1911 году картина успешно экспонировалась на Международной выставке в Риме. А в России, в силу цензурного запрета, впервые появилась перед зрителем только в 1912 году.

Петр Оссовский
«Церковь» (2013)

Петра Павловича Оссовского (1925-2015) называют одним из основоположников «сурового стиля» в советской живописи. Отход от канонов официального соцреализма, отражение жизни без прикрас, внимание к людям и поиск высшей истины – это было новаторством в СССР 60-х годов.

Искусство Оссовского глубоко национально и в то же время обращено ко всем и понятно любому зрителю. Всю свою жизнь художник писал одну искреннюю историю – о русских людях и о родной земле. Он одним из первых в своем поколении обратился к жизни провинциального русского города и его обитателей. И Псковская область, где Оссовский прожил более 40 лет, с её первозданной красотой и суровым былинным величием, удивительной природой и мужественными людьми, на долгие годы стала источником вдохновения.

Тема Православной веры стала важной в зрелом творчестве Оссовского. «Церковь» – одна из работ о возвращении Православия после многолетнего забвения и поругания, об обретении того духовного стержня, на котором держалась вера многих поколений русских людей. «Только подними глаза к синему родному небу, и оно наклонится к тебе Божьей любовью, потому что даже и в самые глухие годы храмовая дорога не зарастала окончательно и не умолкала молитва русского человека».

Федор Сычков
«Колхозный базар» (1936-1937)

Федот Васильевич Сычков (1870–1958 гг.) родился в мордовской деревне в тысяче километров от столицы империи. Окончил три класса школы, но рисовал с малолетства – писал портреты односельчан, иконы. Судьбу решил случай: юношу заметил генерал Иван Андреевич Арапов, местный землевладелец, чиновник конозаводного ведомства. При участии Арапова в 22 года Сычков поступает в Рисовальную школу Общества поощрения художеств в Санкт-Петербурге, в 25 лет – в Высшее художественное училище при Академии художеств, в 30 – удостоен звания художника.

Всю свою очень долгую творческую жизнь – и в Российской империи, и в Советском Союзе – Федор Сычков останется верен традициям художественного реализма и теме русской деревни. Прежде всего, это народный портрет, блестящим мастером которого был художник. Крестьянки в его портретах – красивы и самобытны. Почти в каждой работе – мягкий, доброжелательный взгляд на мир, душевность и человечность.

В советской России творчество Сычкова с его открытой радостью человеческого бытия оказалось вполне созвучно официальному искусству, требовавшему создания жизнеутверждающих образов жителей страны Советов. Но в сычковских героинях – всегда искренность и индивидуальность. Невзирая на реалии времени и моду, художник неизменно изображал свои модели улыбающимися, в русских традиционных сарафанах, ярких платках и бусах. И до последнего дня работал с упоением, вдохновенно, создавая полные свежести чувств полотна.

Николай Рерих
«И мы продолжаем лов» (1922)

«Идите за Мною, и Я сделаю вас ловцами человеков» (Евангелие от Матфея. 4: 18-22). В основе сюжета одной из шести работ серии Sancta – евангельская притча о Иисусе и рыбаках. Из мутных волн житейского моря благие Ловцы стремятся спасти и вернуть к Свету утопающие души.

Философ-мистик, путешественник, археолог, писатель, автор Пакта о защите культуры (легшего в основу в Конвенции об охране всемирного культурного и природного наследия ЮНЕСКО), основатель философского учения «Живая этика» (о внутреннем преображении и овладению космической энергией) – масштаб деятельности Николая Константиновича Рериха (1874-1947) сродни титанам эпохи Возрождения. Рерих-художник соединил реализм и символизм, уделяя большое внимание цвету. Он почти отказался от масла, перешел к темперной технике, много экспериментировал с составом красок, использовал метод накладывания одного тона на другой. И создал свой стиль, новаторский, узнаваемый, неповторимый.

«И мы продолжаем лов» создана во время триумфального трехлетнего турне художника по Америке, итогом которого стали выставки в 30 городах и серии картин «Новая Мексика», «Сюита океана», «Мечты мудрости». И Sancta («Священная»)– шесть полотен о жизни русских святых и подвижников.

THE MAGNUM

Май Данциг
«Партизанская баллада» (1969)

Военная тема занимает особенное место в творчестве белорусского художника Мая Вольфовича Данцига (1930-2017). Как и в жизни каждого гражданина Беларуси, страны, потерявшей в годы Второй мировой войны треть своих жителей. Страны, где сопротивление фашистам не прекращалось все годы оккупации, а партизанское движение было общенародным.

«Партизанская баллада» – интерпретация известного римского сюжета о спасении дочерью приговоренного к голодной смерти отца. Подобно Перо, тайком кормящей грудью старика Кимона, партизанка спасает раненого воина, который должен был погибнуть брошенным на поле боя. В СССР 1969-го, на фоне догм социалистического художественного реализма, «Партизанская баллада» выглядела совершеннейшей провокацией. Картину не приняли и жестко критиковали. Данциг вспоминал: «Те, кто ее критиковал, даже не поняли, откуда была позаимствована тема».

Между тем, на создание «Баллады» художника вдохновил Питер Пауль Рубенс. Увидев «Отцелюбие римлянки» в Эрмитаже, Данциг усмотрел смысловые параллели с событиями Второй мировой войны, когда мать-земля белорусская стала «кормилицей» для советских партизан. В картине Мая Данцига барочный сюжет стал символом подвига и самопожертвования Беларуси в годы фашисткой оккупации в 1941-1944 гг.

раскрывать

МИЛЛЕЗИМ 2014

раскрывать

МИЛЛЕЗИМ 2016