— ТЕХНИЧЕСКИЙ ЛИСТ —

Площадь виноградника : 8,5 га
Плотность посадки : 6 600 лоз/га
Средний возраст лоз : 30 лет
Сорта : 90% мерло, 10% каберне фран
Почвы : Песчаные и глинистые
Урожайность : 32 гл/га
Виноградарские практики :

  • Ограниченное вмешательство
  • Работа на винограднике только вручную
  • Механический контроль за сорняками

Методы обрезки : Двусторонний Кордон и двусторонний Гийо
Сбор урожа : я 100% ручной сбор
Дата сбора урожая : 6 – 10 октября 2014

Тип бродильных чанов : Резервуары из нержавеющей стали c терморегулированием объемом 30 — 127 гл Гравитационная винодельня
Выдержка в чанах : 30 — 35 дней
Методы винификации : Мягкая длительная мацерация и ферментация Малолактическая ферментация в бочках
Выдержка в бочках : 100% новые бочки Radoux Blend из отборного французского дуба
Продолжительность выдержки : 21 месяц
Объем производства : 33 000 бутылок
Дата розлива : 2 мая 2017
Крепость, % abv. : 13,5
Винодел : Луи Митжавиль

PDF миллезим 2014

Николай Рерих
И мы трудимся (1921-1922)

Одна из шести работ серии «Священная» (Sancta), написанной художником во время путешествия в США. Каждая из картин отражает основные элементы учения Святого Сергия Радонежского (14 в н.э.) — духовного наставника и вдохновителя русского монашества. Рисуя сцены из жизни святых людей, Рерих открывает красоту внутреннего мира человека и художественным языком говорит о горизонтах духовного подвижничества.
На залитом золотистым светом полотне «И мы трудимся» — фигуры монахов, спускающихся к реке за водой. Их усердный труд прост, но глубоко символичен: за физическим действием — возможность развития жизни духовной. Струящиеся очертания извилистой реки, наклоненные фигуры монахов и серповидные коромысла повторяются в округлых изгибах холмов. Ритмичность этих элементов придает картине особую легкость и таинственность и помогает передать чувство равновесия и покоя, которое достигается в постоянном каждодневном труде. Метафора Рериха понятна: подлинная ценность труда заключена в нравственном и духовном совершенствовании человека. В работах, подобных этой, проявляется Рерих-философ.
Николай Константинович Рерих (1874 — 1947) – одна из самых масштабных личностей в русской культуре 20 века. Художник, философ-мистик, писатель, путешественник, археолог, общественный деятель. В течение жизни он создал около 7000 картин, около 30 томов литературных трудов, автор идеи и инициатор Пакта Рериха, основатель международных культурных движений «Мир через культуру» и «Знамя Мира», кавалер нескольких российских и международных наград. С 1917 года жил в эмиграции. Организовал Центрально-Азиатскую и Маньчжурскую экспедиции. Основал Институт Гималайских исследований «Урусвати» и более десятка культурных и образовательных учреждений и обществ в различных странах. С 1920-х годов в разных странах мира существуют общества и музеи Рериха, сообщества последователей его идей и религиозно-философского учения Живая этика (Агни-йога). Идеи Рериха оказали значительное влияние на формирование и развитие движения нью-эйдж в России

Валентин Серов
Похищение Европы (1910)

Валентин Серов – один из самых известных русских портретистов. Его первым учителем был немецкий гравер Карл Кеппинг в Мюнхене, вторым — на долгие годы – прекрасный русский живописец Илья Репин. Именно по поручительству Репина пятнадцатилетний Серов, не смотря на свой юный возраст, был принят в Императорскую Академию художеств. В 22 года художник написал знаменитую «Девочку с персиком» и стал одним из самых популярных и востребованных русских художников. В 1911 году работы Серова были признаны лучшими на Римской художественной выставке и продемонстрировали всему миру мастерство живописца европейского масштаба. Умер Серов внезапно от сердечного приступа в возрасте 46 лет, оставив около двухсот великолепных неповторимых творений.
«Похищение Европы» — одна из поздних работ художника. Этот сюжет из древнегреческой мифологии один из наиболее популярных в мировом искусстве. Зевс полюбил Европу, дочь финикийского царя Агенора, и явился царевне и её подругам в виде прекрасного быка. Хитростью заставив Европу сесть на свою спину, Зевс увез царевну на остров Крит, где она стала ему женой и родила трех сыновей-героев. Картины на тему похищения Европы писали Тициан, Паоло Веронезе, Рембрандт, Гвидо Рени, Клод Лоррен, Франсуа Буше, Гюстав Моро, Франческо Альбани, Николас Питерс Берхем, Лука Джордано и многие другие.
Русский художник задумал эту масштабную работу в 1907 году по время путешествия по Греции. Его «Похищение Европы» далеко от академических канонов – автор использовал характерный для эстетики модерна приём стилизации. С высокой линией горизонта, картина построена на диагональном движении форм, силуэты быка и дельфинов вытянуты, чтобы подчеркнуть общую динамику движения. Морские волны, ныряющие дельфины, сама фигурка Европы на спине гигантского чудища прорисованы условно, с высокой декоративностью. Все краски, которые использует художник, имеют очень яркие и насыщенные оттенки. Исследователи отмечают, что на колористическое решение картины оказали влияние античные фрески, которые изучал Серов на острове Крит.

Федор Решетников
Опять двойка (1948-1949)

Пожалуй, не было в СССР человека, с детства незнакомого с этой работой Федора Павловича Решетникова. Благодаря близости сюжета к школьной жизни, в рамках программы изучения русского языка в разделе «Развитие устной и письменной речи» все советские школьники писали сочинения по теме картины. По ее мотивам был снят мультипликационный фильм, в котором волшебный персонаж Мурзилка выясняет, что нерадивый герой получил двойку по географии и вместе с мальчиком совершает путешествие на Северный Полюс с помощью волшебного глобуса.
Изначально художник планировал писать картину об отличнике. В поисках будущего героя Решетников направился в одну из московских школ. Он сидел на уроках, дел зарисовки и стал свидетелем неудачи одного из учеников: мальчик не смог решить несложную задачу и был очень расстроен. Так родилась идея картины про двоечника. По замыслу художника, действие должно было происходить в школе, а героями должны были стать мальчик и учительница. Но первые наброски показались Решетникову очень скучными, и события были перенесены в обычный советский дом. Так возникла история про мальчишку-двоечника с коньками в школьном портфеле, расстроенную маму, строгую сестру и преданного пса, непонимающего, чем же так опечален его маленький хозяин. В процессе написания «Двойки» Решетников создал невероятное количество эскизов и набросков. Федор Павлович очень тщательно прорабатывал все мелочи, подбирал характеры героев и выстраивал композицию, чтобы эта работа получилось такой искренней, живой и трогательной.
Народный художник СССР, дважды Лауреат Сталинской премии, орденоносец, Федор Павлович Решетников (1906-1988 гг) был широко известей своими академическими произведениями в бытовом жанре и портретами современников. Он родился в семье иконописца, рано потерял родителей, в конце 20-х закончил школу рабочей молодежи (были созданы на заре советской власти для работающих молодых людей, не получивших школьного образования), затем – Высший художественно-технический институт в Москве. Признанный мастер станковой живописи, Решетников также был блестящим графиком и карикатуристом.

Николай Фешин
Ромашки (années 1930)

Николай Иванович Фешин родился в 1881 году в Российской империи, умер — в 1955 году в США. В России известен как талантливый мастер казанской школы живописи, в Соединенных Штатах считается национальным американским художником. Живописец, график, скульптор, резчик, представитель импрессионизма и модерна.
Сын резчика иконостасов из Казани, Фешин закончил Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге, учился в мастерской Ильи Репина, стал директором Казанской художественной школы, носящей сегодня его имя. Получив сильное академическое образование, Фешин-художник рано выработал собственную манеру письма, где мастерское владение всей палитрой художественных средств сочеталось с самобытным даром колориста. Живописец достаточно быстро был признан в Европе — с 1910 года и до начала Первой мировой войны его работы неоднократно были представлены на международных выставках в Риме, Мюнхене, Венеции, Амстердаме. Фешин не принял Октябрьскую революцию и в 1923 году эмигрировал в США. Первая персональная выставка в Художественном институте Чикаго принесла живописцу признание и заказы, став началом долгого плодотворного творческого периода. Всего художник создал более 2000 произведений, которые сегодня находятся в коллекциях более чем 30 музеев и частных собраний.
Натюрморты Фешина любимы почитателями живописца не меньше, чем его выдающиеся портреты, пейзажи и жанровые сцены. Ярко контрастные, насыщенные цветом, они всегда невероятно эффектны, полны радостной энергии и свободных живых чувств. «Ромашки», написанные в 30-е годы ХХ века, являются ярким примером работы художника в этом жанре.

Илья Репин
Садко в подводном царстве (1876)

«И наслал морской царь бурю на корабли славного купца Садко, потребовал морской царь жертвы. Сошел в воды славный купец, и был гостем на подводном пире. Захотел царь морской женить Садко на одной из прекрасных морских царевен, да выбрал купец себе в жены простую Чернавушку. Заснул купец после пира свадебного, а проснулся в родном славном Новгороде». Древняя былина о новгородском купце Садко, датируемая XII веком, – прекрасный образец русского народного эпического творчества, пришедшего к нам из глубины веков.

Илья Репин (1844-1930), один из ключевых художников русского реализма, взял из былины момент, когда Садко по приказу морского царя выбирает себе в жёны одну из морских царевен. Появляясь из зеленоватой, таинственно мерцающей толщи воды чинно шествуют перед Садко богато разодетые красавицы в этнографических костюмах разных стран. Однако взгляд купца устремлен к стоящей поодаль девушке в простом русском крестьянском сарафане. А вокруг – чудесный подводный мир.

Картина со сказочным сюжетом стоит особняком в творчестве художника, прославившегося своими историческими полотнами, портретами современников и живописанием российской жизни конца XIX – начала XX века. Прототипом к образу Садко стал один из учеников Репина – Василий Васнецов, живописец, который спустя годы прославится своими работами на темы русских сказок. Стремясь к предельной достоверности, реалист Репин изучал атласы морского мира и даже совершил поездку в морской аквариум Берлина. Но в картине «Садко» уверенно звучат элементы символизма и нового художественного стиля. В последствие именно подводным мир Репина будет вдохновлять сценографов при постановке одноименной оперы Николая Римского-Корсакова.

Художник впервые выставил «Садко» в Парижском салоне 1876 года, но у парижан картина успеха не имела. Зато стала известной в России, и именно за эту работу Илья Ефимович получил звание академика Императорской Академии художеств, где спустя 18 лет Репин станет руководителем живописный мастерской и педагогом Филиппа Малявина, Ивана Билибина, Николая Фешина, Валентина Серова и многих других прекрасных русских художников.

Филипп Малявин
Товарищи (1893)

Из мастеров бытового жанра в русском искусстве конца 19-начала 20 века Федор Андреевич Малявина (1869 — 1940) выделяется творчеством ярким и самобытным. И дело не в страсти художника к алому цвету, который завораживает в его картинах. Малявину единственному из русских живописцев удалось почувствовать и передать ту не тронутую цивилизацией народную стихию — темперамент, непосредственность, детскость и красоту простых русских мужиков и баб, которые составляли большинство населения России на рубеже веков. «Товарищи» — одна из таких работ.
Крестьянин по происхождению, он учился иконописи в Афонском монастыре. Случайная встреча со скульптором Беклемищевым, потрясенным церковными росписями Филиппа, меняет судьбу юноши. В двадцать три года, без образования, но с талантом, он был зачислен вольнослушателем Императорской Академии художеств. С самого начала его интересовала в основном крестьянская тема. Дипломная работа художника с пятью безудержно смеющимися крестьянками в алых платьях, была отклонена художественным советом Академиии за безыдейность, но с восторгом принята публикой на Всемирной парижской выставке 1900 года. Картина произвела сенсацию, получила золотую медаль и была приобретена Музеем современного искусства в Венеции. Французские газеты наперебой твердили о силе темперамента молодого художника. Русские бабы и огненно-красный цвет стали фирменным знаком Малявина. Его многочисленные картины и рисунки сегодня находятся в основном за пределами России, в музеях и частных собраниях.

Владимир Серов
В. И. Ленин провозглашает Советскую власть (1952)

Художник Владимир Александрович Серов (1910-1968) — один из самых известных представителей социалистического реализма в живописи и создатель знаменитой Ленинианы, серии картин о вожде русской революции и создателе СССР Владимире Ульянове/Ленине.
Блестяще одаренный художник с сильной авторской манерой и глубоким академическим образованием, яркий представитель ленинградской школы живописи, Серов известен, прежде всего, благодаря своим работам в историко-революционной тематике.  Менее знамениты, но не менее талантливы его картины в жанре пейзажа и портрета, также же, как и прекрасные иллюстрации к литературным произведениям Александра Пушкина, Льва Толстого, Николая Некрасова.
«В.И. Ленин провозглашает Советскую власть» получила широкое признание в СССР и стала одной из знаковых работ художника. Именно за эту картину в 1948 году Владимир Серов был удостоен Сталинской премии. Как отмечали современники, «картина передает великое единство вождя пролетарской революции и народных масс, нерасторжимую связь партии и народа. Великий вождь с трибуны Второго Всероссийского съезда Советов возвещает народу о торжестве социалистической революции. Его речь находит горячий отклик в сердцах рабочих, солдат, матросов, крестьян, заполнивших актовый зал Смольного». II Всероссийский съезд Советов рабочих и солдатских депутатов состоялся в Санкт-Петербурге 25 октября 1917 года. Исторический для страны форум провозгласил Россию Республикой Советов рабочих, солдатских и крестьянских депутатов и сформулировал программу деятельности Советской власти.
Первоначальный вариант картины был написан Серовым в 1947 году. Среди участников съезда художник изобразил членов первого советского правительства Иосифа Сталина, Феликса Дзержинского, Якова Свердлова. В более поздней картине, написанной после смерти Иосифа Сталина и признания его политики антинародной, художник заменил фигуры развенчанных вождей на фигуры рабочих и солдат.

Виктор Васнецов
Богатыри (1881-1898)

Около 30 лет жизни и творчества русский художник Виктор Васнецов (1848-1926) посвятил созданию этой картины. В чистом поле, на границе земли русской, стоят богатыри Илья Муромец, Алеша Попович и Добрыня Никитич – три главных героя эпических русских сказаний, защитники и стражи русского народа.
В центре изображен Илья Муромец. Могучий и мощный, богатырь силен настолько, что, кажется, не ощущает тяжести многокиллограмовой палицы, висящей на поднесенной ко лбу руке. Недюжинная сила удивительно сочетается в нем с широтой души и добротой открытого людям сердца. Илья Муромец – реальная историческая личность, а сказания о его небывалых подвигах – подлинная хроника жизни. Позднее богатырь стал монахом Киево-Печерской лавры и сейчас его имя можно найти среди православных святых. Васнецов писал Илью Муромца с простого крестьянина Ивана Петрова, человека сильного и высокорослого, доброго и душевного – каким и был сам богатырь.
По правую руку от Ильи Муромца — мужественный Добрыня Никитич. Он всегда готов защитить родной край, его меч уже наполовину вынут из ножен. На груди — золотой крест. Этим Васнецов напоминает, что его Добрыня связан с легендарным воеводой войска Владимира, князя киевского и крестителя Руси. Богатырь стал для художника воплощением собирательного образа рода Васнецовых: себя, своего отца и дяди. Не случайно исследователи творчества мастера отмечали сходство внешности Добрыни и художника.
Самый младший – Алеша Попович. Храбрый и ловкий стройный юноша может побороть врага силой, смышленостью и даже лукавством. Прототипом ему послужил Сергей Мамонтов, сын промышленника и мецената Саввы Мамонтова, много сделавшего для поддержки русских художников и искусства в конце 19-начале 20 века. Васнецов перенес на картину характер Сергея – этот веселый и общительный человек подарил свой озорной нрав молодому богатырю.
Каждый из богатырей в любой момент готов встать на защиту родной земли и постоять за слабого. Шлемы на их головах подобны куполам православных церквей и выступают символом правого дела, благословенных подвигов на благо народа. Они символизируют все лучшее, чем может гордиться русский народ, — отвагу, силу духа и любовь к родине.

Виктор Васнецов
Ковер-самолет (1880)

Виктор Михайлович Васнецов, один из самых известных русских художников конца 19 – начала 20 века, первым среди российских живописцев обратился к былинно-сказочным сюжетам, убежденный, что «в сказках, песне, былине, драме и прочем сказывается весь целый облик народа, внутренний и внешний, с прошлым и настоящим, а может быть, и будущим».
Васнецов изобразил волшебный ковер из популярной русской сказки в виде громадной птицы с выгнутым вверх хребтом и широко раскрытыми крыльями. Иван-царевич летит на ковре-самолете через безграничные пространства после смелого путешествия за тридевять земель в тридесятое царство, везет с собой чудесную исполняющую желания Жар-птицу.
Первую версию этой картины заказал Васнецову Савва Иванович Мамонтов, крупный промышленник и меценат, сыгравший колоссальную роль в развитии русского изобразительного искусства, архитектуры и театра в конце 19 века. В доме Мамонтова подолгу жили и работали художники, многим Мамонтов оказывал существенную поддержку, в том числе и финансовую.
Картина, написанная в 1880 году, поражает своей убедительностью. Это олицетворение непреодолимого стремления человека летать, творить и побеждать. «Ковер-самолет» — первая сказочная картина великого русского художника. Тридцатилетний автор выбрал невиданный для изобразительного искусства того времени мотив, выразил мечту о свободном полете, придав картине поэтическое звучание. Картина вызвала много споров у современников и положила начало славе художника. Васнецов – основоположник особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна. Живописец преобразовал русский исторический жанр, соединив мотивы средневековья с волнующей атмосферой поэтической сказки. Принципы «русского стиля» мастер развивал также в области архитектуры и дизайна: по эскизам Васнецова, стилизующим древнерусскую старину, были возведены церковь Спаса Нерукотворного (1881–1882) и Избушка на курьих ножках (1883) в Абрамцево, а в Москве – фасад знаменитой Третьяковской галереи (1906). Самым же значительным монументально-декоративным свершением художника стали росписи Владимирского собора (1885–1896) в Киеве (Украина), в них Васнецов стремился обновить византийские каноны иконописи, внося в них лирически-личностное начало.

Виктор Васнецов
Аленушка (1881)

Холст, масло. Третьяковская Галерея, Москва, Россия.
Свою известность замечательный русский художник Виктор Васнецов получил за серию картин по мотивам русских народных сказок. Одна из таких работ — иллюстрация к сказке «Сестрица Аленушка и братец ее Иванушка», написанная в 1881 году.
Кто в детстве с замиранием сердца не случал историю про храбрую девушку, которая отправилась на поиски маленького брата, не испугавшись дальней дороги, страшного леса и злой ведьмы? Наверное, именно поэтому «Аленушка» стала одной из наиболее хрестоматийных и популярных картин в русской живописи 19 века. Художник запечатлел момент, когда девушка присела отдохнуть после длительных и безуспешных поисков. Вся природа, которая окружает Аленушку, как будто замерла, охраняя короткие моменты ее покоя. Глядя на эту картину, нельзя не переживать – до такой степени чувственно и ярко художник показал грусть и усталость девушки. Волосы Аленушки растрепались, босая, в стареньком сарафане, сидит она у воды и думает о судьбе братца Иванушки. Над головой Аленушки художник изобразил несколько ласточек, являющихся символом надежды, показал, что грустная история, случившаяся с братом и сестрой, обязательно закончится хорошо. И девушка, и природа, окружающая ее, изображены так реалистично, что, казалось бы, ступив шаг – очутишься на берегу, вдохнешь запах воды, заговоришь с Аленушкой. Не зря эта картина является одной из лучших работ в русской художественной школе.
Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926гг) — художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи. Родился в селе Лопьял Втяской губернии в семье православного священника. После окончания Вятского духовного училища поступил в Вятскую духовную семинарию. С благословения отца оставил семинарию на предпоследнем курсе и уехал в Петербург для поступления в Академию художеств. Выставлять свои работы начал в 21 год, сначала участвуя в экспозициях Академии, потом — в выставках передвижников.
«Аленушка» – одна из картин, в которой Васнецов наиболее полно и проникновенно воплотил лирическую поэзию родного народа. «Аленушка», — рассказывал впоследствии художник, — как будто она давно жила в моей голове, но реально я увидел ее, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах… Каким-то особым русским духом веяло от нее».

Михаил Врубель
Царевна-лебедь (1900)

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) – один самых мистических и романтичных русских художников.
В искусство Врубель пришел уже взрослым, образованным человеком. К нему быстро пришел успех, но почести ему не были нужны. Он ценил не столько результат, сколько сам творческий труд, процесс, момент художественного озарения. Врубель был едва ли не первым среди деятелей русской художественной культуры, кто начал движение к символизму, и его можно считать родоначальником русского «модерна». Он утвердил в русском искусстве новый тип художника — художника-универсала. Врубель писал картины и большие панно, расписывал стены храмов и делал витражи, создавал иллюстрации и книжные знаки, занимался театральной декорацией и прикладным искусством, скульптурой и архитектурой.
Картина «Царевна-Лебедь» стала результатом работы художника над декорациями к музыкальной постановке по мотивам произведения Александра Пушкина «Сказка о царе Салтане», премьера которой состоялась в Частной опере мецената Саввы Мамонтова. Врубелю были доверены декорации и эскизы костюмов, жена художника певица Надежда Забела-Врубель исполняла партию Царевны.
Из всех персонажей именно Царевна-Лебедь, волшебная женщина-птица, больше всего интересовала мастера. Два природных начала — холодное и теплое, водяное и воздушное, темное и светлое — привлекали художника в этом образе. Сказочность, чудесное сочетание несочетаемого — стали главными идеями художника. Художнику удалось передать самый чудесный момент — превращение. Стоит внимательно вглядеться в лицо героини: ее большие выразительные глаза уже чем-то напоминают птичьи, губы через мгновение превратятся в клюв. Мастерски передана шелково-перьевая фактура одеяния. Эту картину любили многие поэты, а коллеги мастера совершенно серьезно изучали ее, чтобы понять секрет передачи перламутровой фактуры, неуловимого движения и смешение красок.
Существует легенда, что образ Царевны Врубель писал со своей жены. Впервые художник увидел Надежду Забелу в опере. По словам современников, голос у неё был «ни с чем не сравнимый, ровный-ровный, лёгкий, нежно-свирельный и полный красок или, точнее, сменяющихся переливов одной какой-то краски, предельно выразительный, хотя и совершенно спокойно льющийся». Очарованный, он пришел за кулисы. Так началась одна из самых романтичных и трагических историй любви в русском искусстве. Спустя 15 лет, уже будучи в кольце ужасной душевной болезни, в минуты просветления в последних письмах к жене Врубель писал: «Голубушка, бесценность моя, idol, mia farfalla, allodola». Однако, вероятнее всего, в лике Царевны отдалённо отразились и слились черты реальные и мистические, память, игра воображения и таланта великого русского художника.

Николай Рерих
И не убоимся («И мы не боимся») (1922)

Два беседующих монаха, мирный медведь, ловящий чутким ухом высокие речи светлых старцев. Напоминание об известном эпизоде из жизни Святого Сергия Радонежского, приручившего медведя во время своей одинокой подвижнической жизни в лесу. Идея великого вселенского родства, изначального единства всего сущего. Красив и мягок розовый цвет, разлитый в закатном небе. И темные тени на горизонте не остановят мирной беседы двух иноков. Спокойствие и духовная связь с Высшими силами способны защитить чистого духом человека от любых злых сил, – говорит философ-мистик Николай Рерих в одной из шести картин серии «Священная» (Sancta).

Крупнейший знаток и биограф жизни и творчества Николая Рериха Павел Беликов писал: «В этих полотнах Рерих мастерски воссоздаёт близкие его сердцу родную природу и древнерусскую архитектуру. На их фоне разворачиваются сцены из жизни русских монахов-подвижников. Их бесхитростный труд, их духовная чистота переданы так захватывающе и искренне, что картины эти и теперь, через десятки лет, не перестают волновать зрителя».

Рерих – художник, философ, путешественник, писатель, оставил грандиозное духовное наследие. В начале XX века Рерих дал четкое определение понятию «культуры» и выступил инициатором международного договора о ее защите. Договор был назван Пактом Рериха и впоследствии получил развитие в Конвенции об охране всемирного культурного и природного наследия ЮНЕСКО. В понятие культуры Рерих включил синтез лучших достижений человеческого духа в области религиозного опыта, науки, искусства, образования. Именно русский философ сформулировал принципиальное отличие культуры от цивилизации: если культура имеет отношение к духовному миру человека в его творческом самовыражении, то цивилизация есть лишь внешнее обустройство человеческой жизни во всех её материальных и гражданских аспектах. Отождествление цивилизации и культуры, утверждал Николай Рерих, приводит к недооценке духовного фактора в развитии человечества. «Богатство само по себе еще не дает культуры. Но расширение и утончение мышления и чувство красоты дают ту утончённость, то благородство духа, которым и отличается культурный человек. Именно он может строить будущее своей страны», – писал Рерих в 1928 году.

LE MAGNUM

Анатолий Ганкевич
Гагарин (С Богом!) (2011)

В русской бытовой речи фразеологизм «С Богом!» давно утратил свои религиозные смыслы и означает лишь пожелание успеха, удачи в каком-либо деле. В портрете первого космонавта художник Анатолий Ганкевич, стилизуя приемы традиционной иконописи и ловко жонглируя многозначностью родного языка, возвращает словам оборванные семантические нити. Его Гагарин – иконописен и свят. Нимб, благословляющий жест, жесткая геометрия одеяния, плоская перспектива – особый знаковый язык, свойственный религиозным изображениям. Гагарин Ганкевича – первый человек на земле, покоривший космос, легенда поколения, почти религиозный фетиш, мифический недосягаемый герой.

Советская икона от Анатолия Ганкевича – одна из работ автора, возвращающая к художественной эстетике 30-х годов ХХ века. Имитация мозаики, пафос в духе Дейнеки, счастливые улыбающиеся лица – стилистика Ганкевича созвучна ярким монументальным мозаикам московского метрополитена, утопическому монументализму ВДНХ, советским плакатам. Ганкевич, используя временные стилистические приемы и значительно расширяя тематику, создает свой идеальный полный красок художественный мир.

Анатолий Ганкевич родился в Одессе в 1965 году. Посещал курсы при Государственном центре современного искусства в Москве, брал индивидуальные уроки живописи. С 1990 года начал карьеру художника. Живет и работает в Одессе и Москве.

раскрывать

МИЛЛЕЗИМ 2015